Предыстория
Истоки
флорентийской мозаики следует искать в оpus sectile [опус сектиле – Н. С.],
зародившейся примерно в III
в. до н. э. и являющейся одной из четырех видов мозаичных техник. Не последнюю
роль в ее появлении сыграла попытка найти более экономичный способ выполнения
мозаик, так как стоимость натурального камня была высока. Однако несмотря на
то, что техника появилась из практических соображений, ей предстояло стать
самой дорогой из всего разнообразия мозаичного набора.
Мозаика
в технике оpus sectile выполнялась из пластин, вырезанных из цельного
природного камня. Подготовленные детали рисунка укладывались в картину или
орнамент на цементирующую основу. В ходу были флоральные, орнаментальные
мотивы, сцены из античной мифологии, изображения диких животных и животных,
задействованных в сельском хозяйстве. Техника использовалась также при создании
икон и религиозных сцен в раннем христианстве. Мозаики оpus sectile ценились
очень высоко и служили украшением стен и полов в богатых римских домах.
Технология изготовления
Первые
работы не отличались изяществом. Но по мере совершенствования техники более
тщательно подбирался камень, пластины подгонялись плотнее другу к другу, стараясь
сделать швы минимальной толщины, чтобы они не нарушали художественной подачи
изображений, расширялась сюжетная линия.
Каменные
картины требовали большого мастерства от исполнителя на этапе предварительных
работ по подготовке материала и в самом процессе выкладки каменных пластин.
На
сегодняшний день уже выработан алгоритм технических приемов изготовления работ
в технике флорентийской мозаики. Несмотря на долгий путь развития, временные
рамки производства сузились преимущественно на этапе подготовительных работ по
резке камня в связи с тем, что новые инструменты позволяют сейчас ускорить
процесс распиловки камня во много раз. Все остальные операции, как и прежде,
требуют скрупулезного и поэтапного подхода, а также непосредственного участия
мастера, а не механизмов.
Процесс
начинается с создания акварельного рисунка или макета. Затем рисунок
разбивается на отдельные участки, под которые подбирается по цвету и фактуре
камень. После – делается разметка и резка каменных плиток на заготовки, которые
на следующем этапе доводятся до нужной формы. Отдельные детали соединяются
между собой, а в последствие – в общую композицию в процессе постоянной сверки
с акварельным рисунком или макетом. Элементы мозаики склеиваются эпоксидным
клеем. Завершающими этапами работы являются шлифовка и полировка. При этом
стоит учитывать художественные цели произведения и текстуры камня. Иногда приоритет
отдается шлифовке, так как полировка может создавать блики на поверхности
картины.
Итальянская школа
флорентийской мозаики
Флорентийская
мозаика зародилась в XVI
веке в Италии. Пережив пик популярности, в XIX веке она постепенно сошла со сцены,
оставив нам в наследие образцы флорентийской культуры и искусства и давая
некоторое представление о великолепии и роскоши тех времен. Ее происхождение
связано с городом Флоренцией и представителями одной из могущественных и
влиятельных правящих династий Италии и Европы – Медичи, известных своим
покровительством изящным видам искусств – архитектуре, скульптуре, живописи, а
также особым отношением к произведениям из камня, как монументальным, так и
миниатюрным.
За
несколько веков многими представителями рода были собраны богатые коллекции
произведений искусства в целях укрепления своего положения среди старейших
аристократических домов Европы. Коллекциям была отведена вспомогательная роль в
позиционировании себя как культурной и образованной правящей династии. Произведения
искусства Античности – Древней Греции и Древнего Рима, Египта, собрание гемм,
минералов, кубки-наутилусы в драгоценной оправе, тончайшая резьба по слоновой
кости, мелкая пластика из бронзы, монеты, медали, фарфор, оружие, хрустальные
кубки, вазы из полудрагоценных камней, оправленные в золото и серебро, минералы
и украшения – все это являлось предметами коллекционирования Медичи.
Имя
великого Бенвенуто Челлини также связано с родом Медичи. В 1545 году он
поступил на службу к Козимо I
Медичи (1519–1574) в качестве ювелира, скульптура и реставратора и пополнил
коллекцию династии своими произведениями.
Особое
отношение к камню передавалось в династии Медичи по наследству, каждый вносил
свой вклад. Благодаря этому коллекция пополнялась великолепными изделиями из
камня, такими как скульптура, античные камеи (III–I в. до н. э.), камеи и инталии
камнерезов –современников Медичи (XV – XVI вв.), чаши и вазы из горного
хрусталя, аметиста, лазурита, яшмы, гелиотропа, порфира, агата, мрамора,
украшенные резьбой по камню, оправленные в золото, серебро, бронзу и
декорированные эмалями, ювелирными элементами тонкой работы.
Имеющие
предрасположенность и возможность к избирательному коллекционированию, с
младенчества окруженные атмосферой искусства, сыновья Козимо I –
Франческо I и Фердинадо I продолжили традиции своего рода. Франческо I
организовал мануфактуру, собрал лучших местных и иностранных мастеров, занимающихся
резьбой по драгоценным и полудрагоценным камням. Тем самым он подготовил
благодатную почву для совершенствования древней техники оpus sectile и
преобразования её в направление, которое мы называем флорентийской мозаикой.
После смерти брата, в конце XVI
века, Фердинандо I продолжил экспериментировать и усовершенствовать технику
резьбы по камню. С этой целью отдельные мастерские были объединены в одну,
которая получила название «Галерея Деи Лавори» (Galeria dei Lavori). При
Фердинандо искусство флорентийской мозаики достигло своего расцвета.
На
искусство в династии Медичи не жалели средств – в мастерские свозились минералы
и породы с разных концов света. Богатейший материал и неограниченные финансовые
ресурсы открывали для художников и камнерезов широкие возможности и перспективы
для реализации таланта, воплощения творческих идей и совершенствования мастерства.
Результат оправдал ожидания – все творения мастеров вызывали изумление и
восхищение гостей знатного дома.
В
мастерской началось изготовление мебели, особенность которой состояла в декоративном
решении ее частей – применении пластин из камня. Ими были облицованы дверцы
шкафов, секретеров, кабинетов. Мастера отдавали предпочтение флоре и фауне – веткам
деревьев, цветам, плодам, птицам на темном фоне, который выигрышно подчеркивал разнообразие
красок и оттенков мира природы. Также воплощали в камне различные виды пейзажей.
Флорентийская
мозаика применялась при изготовлении столов, столешниц, шахмат, коробочек,
ларцов и шкатулок, часов, картин. С конца XVI – XIX вв. использовался малахит, лазурит,
разные виды яшм, сердолик, содалит, разновидности кварца (в том числе и
аметист), тигровый глаз, мрамор, авантюрин, агат, змеевик, гематит и другие
виды камней. Изделия из мозаики вошли в моду среди представителей знати. Лучшие
мастера трудились над созданиями шедевров, заказы поступали из Италии и стран
Европы.
На
протяжении трех веков флорентийская мозаика занимала одно из привилегированных
мест в области искусства Европы. Позволить себе хотя бы одну такую вещицу мог
человек очень богатый. И отношение к ней было соответствующим – предмет,
выполненный в технике флорентийской мозаики, занимал почетное место в доме и
становился гордостью владельца. С 30-х годов XVIII века, на закате правления династии
Медичи, изготовление флорентийской мозаики переместилось во Францию. Но интерес
постепенно начал угасать, на смену ему пришли увлечения и возврат к другим
видам искусств. В XIX
веке производство флорентийской мозаики почти сошло на нет.
С
историческими образцами можно ознакомиться Музее флорентийской мозаики
(Opificio delle Pietre Dure) во Флоренции. А также в нескольких флорентийских
дворцах, которые входят в обязательные туристические программы посещения достопримечательностей
Флоренции.
Самый дорогой шедевр
В
2004 году Аукционным домом Кристи был выставлен на торги шедевр флорентийской
мозаики – кабинетное бюро «Бадминтон». Предположительно, над ним работало 30
мастеров на протяжение 5–6 лет. Заказчиком был Генри Сомерсет, третий герцог
Бофорский (Henry Somerset, 3 rd Duke of Beaufort). В 1732 году работа над бюро
была закончена и с того времени по 1990 год он находился в резиденции герцогов
Бофорских, поместья Бадминтон в Глостершире [название бюро происходит от места
нахождения – Н. С.]. В 1990 году продажа бюро произвела фурор, так как лот был
продан более чем за 15 млн. долларов. Вторичная продажа в 2004 году подтвердила
статус самого дорогого предмета мебели – бюро было продано по рекордной цене
36,8 млн. долларов. Новым владельцем оказался музей Лихтенштейна, расположенный
в Вене. На сегодняшний день бюро является одним из наиболее ценных экспонатов
музея.
Российская школа
флорентийской мозаики
Согласно
исследованиям кандидата искусствоведения Барановой Татьяны Витальевны (г. Екатеринбург,
Россия) в России было образовано три центра развития флорентийской мозаики –
Петергофская, Екатеринбургская и Колыванская. Предпосылки к появлению работ в
технике флорентийской мозаики были связаны напрямую с образованием трех
гранильных фабрик. Петергофская и Екатеринбургская были открыты в XVIII веке, Колыванская – в 1802 году.
Лучшие традиции флорентийской школы в свое время были унаследованы Петергофской
гранильной фабрикой. В 1847 году в Италию был откомандирован для обучения
талантливый мастер И. В. Соколов. Тщательный подбор камня, скрупулезность
укладки материала, основы живописи при создании эскиза – все это вывело
производство мозаик на высокий профессиональный и художественный уровень.
Флорентийская мозаика Петергофской фабрики применялась в качестве отделки для
дворцовой мебели. Один из великолепных экземпляров Петергофской гранильной
фабрики, работы над которым велись с 1884 по 1892 г., находится в
Минералогическом музее им. А. Е. Ферсмана (Москва). Это панно флорентийской
мозаики, вставленное в шкаф из дерева "амбоин" (от малайск. Ambon),
изготовленный для императрицы Марии Федоровны.
Работы
уральских мастеров сочетали в себе монументальность и русскую мозаику. Колыванская
фабрика специализировалась в основном на монументальных и станковых изделиях.
Главным заказчиком гранильных фабрик был Императорский Кабинет.
Академик
А. Е. Ферсман – великий знаток камня отмечал в своих работах, что
Государственные гранильные фабрики России делали изделия с применением
флорентийской мозаики. Сама техника налагает некоторые ограничения на её
использование, но, несмотря на это, ассортимент был вполне достаточный для
обеспечения заказов.
Флорентийская
мозаика использовалась в рамах для зеркал. Сами рамы изготавливались из яшм,
родонита (орлеца), серпентина (змеевика) и украшались бронзой и мозаикой.
Камины из мрамора, порфира или яшмы имели накладки из черного мрамора с
флорентийской мозаикой. На Петергофской фабрике делали настенные декоративные
панно для украшения внутренних стен дворцов. Мозаика украшала и небольшие
предметы – ларцы и шкатулки.
Монументальное искусство
Советского Союза.
История и география в камне
Упадок
камнерезного производства был отмечен в связи с историческими событиями и
потрясениями начала ХХ века, поменявшими государственный строй и уклад жизни. Возобновление
работ произошло в связи с созданием в 1922 году треста «Русские самоцветы».
Трест объединил мастеров – в том числе ювелиров и камнерезов, ранее работавших в
частных фирмах и предприятиях.
Техника флорентийской мозаики нашла
достойное применение в монументальном и декоративно–прикладном искусстве СССР.
К великим достижениям камнерезного искусства можно отнести представленную и
завоевавшую Гран-при на Всемирной выставке «Искусство и техника в современной
жизни» в Париже в 1937 году географическую карту-панно СССР – «Индустрия
социализма». Она была выполнена мастерами треста «Русские самоцветы» в технике
флорентийской мозаики из поделочных и драгоценных камней, площадь карты составила
27,5 м. кв. В настоящее время карта находится в Центральном
научно-исследовательском геологоразведочном музее им. академика Ф. Н. Чернышева
(Санкт-Петербург).
Но идея карты не была нова. В 1900 году на той же Всемирной парижской выставке от
Екатеринбургской гранильной фабрики была представлена мозаичная карта Франции
площадью 1 м. кв., выполненная из разновидностей яшмы, платины, золота. Карта
была преподнесена в дар Французской республике от России, как подарок
императора. Ее стоимость в 1900 году составила 33 000 руб. Карта время
демонстрируется в Шато Компьень во Франции в г. Компьене. На сегодняшний день в
г. Екатеринбурге – одном из центров камнерезного искусства России, ведется работа по созданию копии карты
Франции в натуральную величину. Автор идеи и исполнитель – художник-камнерез,
член Союза художников России Анатолий Жуков, выполнена совместно с Л. Ф. Устьянцевым
и А. Г Казаненко.
Еще одну карту из камней, Геологическую
карту СССР,[1] можно увидеть в одном из
зданий Российского государственного геологоразведочного университета имени
Серго Орджоникидзе (ранее – Московский геологоразведочный институт).
В монументальном искусстве советской эпохи
запечатлено её историческое наследие. В частности, флорентийская мозаика
применялась для оформления московских станций метро – «Белорусская»,
«Комсомольская». «Чеховская». Также в Москве можно увидеть современную работу,
выполненную в 1997 году. Автор проекта – художник-монументалист
Карен Сапричан. Шесть панно флорентийской мозаики с панорамными видами старой
Москвы являются подарком Украины к 850-летию российской столицы. Их можно
увидеть над входом в подземный переход на Пушкинской площади в Москве.
Традиции
российской школы флорентийской мозаики
второй половины ХХ века
Во второй половине ХХ века произведения
флорентийской мозаики не были доступны для всеобщего обозрения. В советское время картины и панно выполнялись
по заказу правительственных кругов и имели статус дипломатических подарков.
Народный художник РСФСР (России) Геннадий
Дмитриевич Павлишин, г. Хабаровск, – художник, мастер книжной графики,
множества акварелей и уникальных работ в технике флорентийской мозаики. Одна из
его знаменитых работ посвящена Амурскому
краю. «Поэма
о Приамурье» выполнена в 1979
году, размер панно – 300 х 400 см (12 м. кв.). В основе сюжета – пейзаж,
кедрово-широколиственный лес Дальнего Востока в окружении 18 отдельных
изображений его обитателей. Панно состоит из ста тысяч обработанных кусочков
камней, передающих все оттенки местной природы, окраса животных и птиц.
Белогрудый медведь, изюбр, лось, барс, рысь, северный олень, дальневосточный
длинношерстный тигр, соболь, красная лисица и другие редкие жители природы
Амурского края в сочетании с основным сюжетом хорошо отражают суровый, но в то
же время загадочный характер местной природы.
В
90-е годы ХХ века, в эпоху перемен и новых возможностей, в России начался этап
возрождения техники флорентийской мозаики. В этот период перед многими
геологами встал вопрос о переквалификации. Стоит отметить, что у тех, кто
связан с камнем, отношение к нему не меняется с годами. И обогащение новыми
знаниями и получение дополнительных навыков помогло некоторым освоить профессию,
связанную с художественным миром камня.
На
сегодняшний день основными центрами, в которых достойно представлена
флорентийская мозаика, являются Санкт-Петербург, Екатеринбург, Москва, Уфа,
Хабаровск, Апатиты (Мурманская область).
В
Санкт-Петербурге с 2003 года открыт музей-квартира флорентийской мозаики. На
сегодняшний день в нем представлена коллекция работ, в полной мере отражающих
высокий уровень художественной и ремесленной подготовки, достигнутой мастерами
России за последние 20 лет[2]. Есть работы и предыдущих
периодов. Ценность экспозиции заключается в том, что посетители музея могут
ознакомиться с произведениями всех территориальных центров флорентийской
мозаики в России и оценить особенности каждого из них.
Каменные
картины выполнены в стилях реализма, символизма, сюрреализма, абстракционизма.
Среди них работы А. А. Журавлева – художественного руководителя по
восстановлению Янтарной комнаты, мастеров ООО УПП НХП «Артель» (Уфа),
художественной мастерской «Девятов и Ко» (г. Сибай, Башкирия), Александра Горбунова
(Санкт-Петербург), Андрея Белякова (Москва) и других. Сюжетная линия картин,
выполненных в технике флорентийской мозаики, так же богата, как и в живописных
работах. Портреты, натюрморты, картины по мотивам работ известных художников,
исторические сюжеты, сцены охоты, пасторальная, морская тематика, иконы и
другие. Популярны и сложны по исполнению пейзажи – панорамные, сельские,
речные, городские, пейзажи с людьми, животными, архитектурными элементами и прочие.
Также элементы флорентийской мозаики используются в мебели, шкатулках,
подарочных настольных наборах и др.
Широкое
применение получила мозаика и при оформлении интерьера помещений. В современных
домах её можно увидеть в виде панно и орнамента на стенах, на полу, на потолках
и подоконниках. Продолжая традиции и учитывая опыт предыдущих поколений,
современными мастерами налажено производство мебели со вставками из
флорентийской мозаики.
Завершая
краткий экскурс в историю флорентийской мозаики от древних времен к современности,
хотелось бы отдать должное искусству художников, видящих в камне его
художественную выразительность, кропотливому труду камнерезов, совершенствующих
мастерство флорентийской мозаики, а также отметить уникальность каменных картин
– ибо камень долговечен…
